Ignacio del Río
Exposición de pintura
Del 21 de marzo al 21 de abril de 2013. Prorrogada hasta el 15 de mayo.
"El Retorno de Ignacio del Río a Madrid"
Es un burgalés universal. Un pintor por esencia y excelencia. Un artista cosmopolita, que en su día vivió varios años en la capital de España, donde fue amigo, entre otros, los pintores Eduardo y Esteban Vicente, los escritores Santiago Amón, Javier Domingo y Martín Santos. Ahora Ignacio del Río regresa a Madrid con una exposición de pintura que da cuenta de su buen saber hacer.
Viajero continuo, auténtico globetrotter, acaba de regresar de Colombia y no mucho antes lo hizo de Cuba. Con Burgos como punto de retorno, Ignacio del Río ha residido durante años en París, Atenas, Ciudad Trujillo, San Francisco, Nueva York, pero reconoce que es en Madrid –ciudad que visita con frecuencia- donde se siente a gusto, quizás por aquello de ser crisol de todas las Españas, al decir de Antonio Machado.
Las obras del pintor se encuentran en diversos museos, fundaciones, empresas y en numerosas colecciones privadas de todo el mundo. La acogida del autor es inmediata al conocer su obra.
Los óleos de esta exposición representan sobre todo marinas, tauromaquias y paisajes ensoñados de Castilla. Una pincelada rica y jugosa da fe de su maestría y sentido artístico. Ignacio del Río es un buen dibujante y un experto en el manejo del color. Sus composiciones armónicas y equilibradas hacen el resto. Pintura de buena factura. Obras de un excelente pintor.
El regreso de Ignacio del Río a Madrid es todo un acontecimiento.
Julia Sáez-Angulo
De la Asociación Internacional
De Críticos de Arte. AICA
---------------
"No siempre tenemos la incomparable suerte de poder contemplar su obra maravillosa.
El genio que siempre fue y que sigue siendo, su intuición, su visión, su sentimiento.
A sus 76 años desborda energía e ilusión como un niño pequeño; pícaro, juguetón, avasallador.
Desde sus primeros años, su espíritu inquieto le llevará irremisiblemente a la aventura. A explorar cualquier escenario que se le antojara imaginar, admirar y experimentar.
Observando desde su infancia la sociedad que le rodea, decide que lo suyo no es trabajar encadenado de por vida en una fundición. Vendiendo una de sus obras con 16 años, gana lo mismo que trabajando el año entero. Pero sobre todo es libre.
La llamada del arte, le empuja a viajar a Francia. Vivir en París. Rodearse y convivir con personajes que hacen hervir la cultura en ese momento. Siempre buscando, navegando a veces dominando su timón, a veces a la deriva, cambia y experimenta continuamente nuevas sensaciones
Nuevos destinos. Nuevas gentes y ambientes. Mallorca, Málaga, Francia, Holanda , Mundaka , Australia , República Dominicana , Cuba , Colombia , Estados Unidos , Grecia y una larga lista de ciudades, de residencias y de gentes diversas siempre especiales.
La belleza, el interior, la esencia.
El trato, la convivencia , el contacto.
El sexo , el amor , el tacto .
Siempre quiere encontrar más. Algo falta en su camino.
Ilusión , desengaño , búsqueda , exceso , autodestrucción , solidaridad , alcohol, sexo , libertad , amor.
Insuperable filósofo de la vida, de las gentes , del alma .
Vividor y vendedor. Adulador y crítico . Carácter extrovertido y sin complejos. Genio inmortal de éste siglo. Ignacio."
Vicente Lucas
------
Datos biográficos:
IGNACIO DEL RÍO (Burgos, 1936), es a juicio de la crítica especializada el artista burgalés más importante de la actualidad. Pintor, dibujante e ilustrador, y profundamente bohemio, es memoria y creación viva de las últimas décadas de la vanguardia artística, a uno y otro lado del océano atlántico.
Ignacio del Río es maestro autodidacta que aprendió todo lo que sabe de vivir al límite y, de si mismo, realizándose como catalizador de vivencias a tope siempre impactantes, espectaculares y manifiestamente diferentes a la mayoría.
Son sus señas de identidad una manera de dibujar inconfundible, donde el arte se capta por una acertada alianza entre improvisación y la inspiración. La luz que ilumina sus obras es parpadeante, como queriendo llamar la atención. Y su color suele ser explosivo, rabiosamente puro, de efectos llamativos como fogonazos o golpes hacia la visión del espectador, en forma erótica o atormentada. que vienen a ser lo mismo, como la poesia de San Juan de la Cruz es moneda de dos caras la mística y la erótica inseparables.
De todos los componentes gráficos o matéricos, acaso sea el color el verdadero corazón de la pintura, muy visible en Ignacio, al poner el corazón en el color intenso para fascinar, por ejemplo, en los temas taurinos, con perfecta adecuación a los temas más simbólicos de España, sintetizados en el rojo y el amarillo. Así, al margen de sus protagonístas (toro y torero) llama la atención el gentío, esa antagonísta mancha oscura de innumerables cabezas, en cuyo rostro imperceptible se adivina lo que no se ve a primera vista, como la embriaguez de la locura en expresiones sarcásticas y profundas.
Lo que en una primera época taurina le servía de albero o redondel, le sirve después como espejo lunar sugerido como centro de la luz, anillo de un ojo que todo lo ve según los planes de la disposición colorísta de la composición. equilibrada y desequilibrante al mismo tiempo, porque a todo artísta, para serlo, hay que exigirle un punto de espíritu de contradicción, que es vida en lucha. Y sin contradicción no hay pasión, el alma de toda obra.
En sus propuestas de cuadros con estética marina, muy en su último estilo, se ven barcas varadas o desplegando velas en la misma frontera de agua y tierra, donde la geometría no euclidiana del artísta traza líneas irregulares en todas las direcciones de la rosa de los vientos, hasta dar con el trazado abstraccional perfecto en varias ocasiones, salvo las excepciones en que, buscando la verticalidad infinita, nos plantea un verdadero bosque de mástiles, lanzas hacia la perla de una luna que deslumbra en el corazón de la noche marítima.
Por: Bernardo Cuesta Beltrán
Del 21 de marzo al 21 de abril de 2013. Prorrogada hasta el 15 de mayo.
"El Retorno de Ignacio del Río a Madrid"
Es un burgalés universal. Un pintor por esencia y excelencia. Un artista cosmopolita, que en su día vivió varios años en la capital de España, donde fue amigo, entre otros, los pintores Eduardo y Esteban Vicente, los escritores Santiago Amón, Javier Domingo y Martín Santos. Ahora Ignacio del Río regresa a Madrid con una exposición de pintura que da cuenta de su buen saber hacer.
Viajero continuo, auténtico globetrotter, acaba de regresar de Colombia y no mucho antes lo hizo de Cuba. Con Burgos como punto de retorno, Ignacio del Río ha residido durante años en París, Atenas, Ciudad Trujillo, San Francisco, Nueva York, pero reconoce que es en Madrid –ciudad que visita con frecuencia- donde se siente a gusto, quizás por aquello de ser crisol de todas las Españas, al decir de Antonio Machado.
Las obras del pintor se encuentran en diversos museos, fundaciones, empresas y en numerosas colecciones privadas de todo el mundo. La acogida del autor es inmediata al conocer su obra.
Los óleos de esta exposición representan sobre todo marinas, tauromaquias y paisajes ensoñados de Castilla. Una pincelada rica y jugosa da fe de su maestría y sentido artístico. Ignacio del Río es un buen dibujante y un experto en el manejo del color. Sus composiciones armónicas y equilibradas hacen el resto. Pintura de buena factura. Obras de un excelente pintor.
El regreso de Ignacio del Río a Madrid es todo un acontecimiento.
Julia Sáez-Angulo
De la Asociación Internacional
De Críticos de Arte. AICA
---------------
"No siempre tenemos la incomparable suerte de poder contemplar su obra maravillosa.
El genio que siempre fue y que sigue siendo, su intuición, su visión, su sentimiento.
A sus 76 años desborda energía e ilusión como un niño pequeño; pícaro, juguetón, avasallador.
Desde sus primeros años, su espíritu inquieto le llevará irremisiblemente a la aventura. A explorar cualquier escenario que se le antojara imaginar, admirar y experimentar.
Observando desde su infancia la sociedad que le rodea, decide que lo suyo no es trabajar encadenado de por vida en una fundición. Vendiendo una de sus obras con 16 años, gana lo mismo que trabajando el año entero. Pero sobre todo es libre.
La llamada del arte, le empuja a viajar a Francia. Vivir en París. Rodearse y convivir con personajes que hacen hervir la cultura en ese momento. Siempre buscando, navegando a veces dominando su timón, a veces a la deriva, cambia y experimenta continuamente nuevas sensaciones
Nuevos destinos. Nuevas gentes y ambientes. Mallorca, Málaga, Francia, Holanda , Mundaka , Australia , República Dominicana , Cuba , Colombia , Estados Unidos , Grecia y una larga lista de ciudades, de residencias y de gentes diversas siempre especiales.
La belleza, el interior, la esencia.
El trato, la convivencia , el contacto.
El sexo , el amor , el tacto .
Siempre quiere encontrar más. Algo falta en su camino.
Ilusión , desengaño , búsqueda , exceso , autodestrucción , solidaridad , alcohol, sexo , libertad , amor.
Insuperable filósofo de la vida, de las gentes , del alma .
Vividor y vendedor. Adulador y crítico . Carácter extrovertido y sin complejos. Genio inmortal de éste siglo. Ignacio."
Vicente Lucas
------
Datos biográficos:
IGNACIO DEL RÍO (Burgos, 1936), es a juicio de la crítica especializada el artista burgalés más importante de la actualidad. Pintor, dibujante e ilustrador, y profundamente bohemio, es memoria y creación viva de las últimas décadas de la vanguardia artística, a uno y otro lado del océano atlántico.
Ignacio del Río es maestro autodidacta que aprendió todo lo que sabe de vivir al límite y, de si mismo, realizándose como catalizador de vivencias a tope siempre impactantes, espectaculares y manifiestamente diferentes a la mayoría.
Son sus señas de identidad una manera de dibujar inconfundible, donde el arte se capta por una acertada alianza entre improvisación y la inspiración. La luz que ilumina sus obras es parpadeante, como queriendo llamar la atención. Y su color suele ser explosivo, rabiosamente puro, de efectos llamativos como fogonazos o golpes hacia la visión del espectador, en forma erótica o atormentada. que vienen a ser lo mismo, como la poesia de San Juan de la Cruz es moneda de dos caras la mística y la erótica inseparables.
De todos los componentes gráficos o matéricos, acaso sea el color el verdadero corazón de la pintura, muy visible en Ignacio, al poner el corazón en el color intenso para fascinar, por ejemplo, en los temas taurinos, con perfecta adecuación a los temas más simbólicos de España, sintetizados en el rojo y el amarillo. Así, al margen de sus protagonístas (toro y torero) llama la atención el gentío, esa antagonísta mancha oscura de innumerables cabezas, en cuyo rostro imperceptible se adivina lo que no se ve a primera vista, como la embriaguez de la locura en expresiones sarcásticas y profundas.
Lo que en una primera época taurina le servía de albero o redondel, le sirve después como espejo lunar sugerido como centro de la luz, anillo de un ojo que todo lo ve según los planes de la disposición colorísta de la composición. equilibrada y desequilibrante al mismo tiempo, porque a todo artísta, para serlo, hay que exigirle un punto de espíritu de contradicción, que es vida en lucha. Y sin contradicción no hay pasión, el alma de toda obra.
En sus propuestas de cuadros con estética marina, muy en su último estilo, se ven barcas varadas o desplegando velas en la misma frontera de agua y tierra, donde la geometría no euclidiana del artísta traza líneas irregulares en todas las direcciones de la rosa de los vientos, hasta dar con el trazado abstraccional perfecto en varias ocasiones, salvo las excepciones en que, buscando la verticalidad infinita, nos plantea un verdadero bosque de mástiles, lanzas hacia la perla de una luna que deslumbra en el corazón de la noche marítima.
Por: Bernardo Cuesta Beltrán
Carlos Sexmilo y Floren García
Exposición de pintura
Del 8 al 17 de marzo de 2013
Del 8 al 17 de marzo de 2013
El sueño de todo artista es recuperar la mirada ingenua del niño que fue y que ha ido perdiendo a lo largo de su existencia. Ya lo decía Pablo Picasso: “Antes dibujaba como Rafael, pero me ha llevado toda la vida aprender a dibujar como un niño”.
"44 años no es nada" es el nombre de un proyecto artístico compartido entre un niño de 7 años y un hombre de 51. Nace a partir de un intercambio de dibujos hechos por Carlitos Sexmilo y la evolución que de ellos hace su tío, Floren García, a través del color, la t...extura y la dimensión. El resultado es una selección de 16 cuadros elaborados en acuarela y acrílico y que constituye una obra orgullosa que se hace adulta, “pero lo justo para no perder su frescura”.
"44 años no es nada" es el nombre de un proyecto artístico compartido entre un niño de 7 años y un hombre de 51. Nace a partir de un intercambio de dibujos hechos por Carlitos Sexmilo y la evolución que de ellos hace su tío, Floren García, a través del color, la t...extura y la dimensión. El resultado es una selección de 16 cuadros elaborados en acuarela y acrílico y que constituye una obra orgullosa que se hace adulta, “pero lo justo para no perder su frescura”.
La idea surgió mientras el niño acudía a sus sesiones de diálisis en el Hospital de la Paz, en Madrid, y su tío le acompañaba durante el tratamiento. Poco a poco, fueron brotando ideas y dibujos hasta dar forma a un proyecto más ambicioso titulado “Talento Compartido” y del que forma parte esta primera exposición. Con él, se pretende crear una colaboración más permanente y solidaria con los niños que se encuentran en un contexto hospitalario y en circunstancias difíciles.
Floren García Gutiérrez en un artista autodidacta y multidisciplinario que “cree en el arte, en la naturaleza y en el ingenio”. Aunque es psicólogo de profesión, su pasión es la pintura, las instalaciones, las vidrieras y el Land-Art. Su obra puede verse en www.florengarcia.jimdo.com
44 años no es nada… solo es la edad que separa, y a la vez une, a sobrino y tío, a un hombre y a un niño que algún día perderá su candor. Es “apenas el rastro que deja un caracol”.
La exposición 44 años no es nada, será inaugurada este viernes 8 de marzo, a las 20:30 horas, en Yuriko Yamamoto Espacio Contemporáneo, c/ de la Alameda 3, Barrio de las Letras, Madrid.
dEmo
COLOR de FIESTA
Exposición de pintura
Del 5 de febrero al 16 de marzo de 2013
El artista dEmo, conocido por sus coloridas esculturas que representan osos, corazones o pinochosl, presenta, por primera vez en España, una muestra de sus obras pictóricas titulada "Color de fiesta". Esta exposición, que estará albergada en la galería Yuriko Yamamoto Espacio Contemporáneo de Madrid, desde el 5 hasta el 28 de febrero, está compuesta por varias obras de Pop Abstracto, lienzos que mantienen la conexión con las piezas tridimensionales por la gama cromática.
Biografía:
dEmo (Toledo, 1960) es uno de los creadores más originales del panorama artístico español. Artista multidisciplinar, ha centrado su trabajofundamentalmente en la escultura, que concibe, ante todo, para ser expuesta en espacios públicos. dEmo logra convertir en auténticos iconos elementos cotidianos, utensilios comunes y juguetes rescatados de nuestra memoria colectiva. Esta iconización de lo doméstico es una de las principales señas de identidad del trabajo de este artista autodidacta que ha presentado su obra en ciudades de todo el mundo.
Andrés del Collado
Exposición de pintura
Del 8 al 29 de enero de 2013
Descripción de la exposición: EL AGUA COMO SÍMBOLO DEL INCONSCIENTE
La obra nos muestra un viaje al inconsciente simbolizado por el agua en el que las imágenes flotan, se hunden en una oscilación entre lo consciente y lo inconsciente, lo objetivo y lo subjetivo, imágenes oníricas que se funden con la realidad. El lienzo es la puerta a los recuerdos, es la piel que cubre el pasado- presente ( somos el producto del pasado escondido).
Es un adentrarse en los recuerdos desde lo aparentemente real, buceando en las profundidades del ser taladrando el olvido, en donde las emociones quedaron sepultadas por debajo del nivel del mar.
El día se pierde con los sueños disolviéndose en la piel de los objetos vacilantes llenos de realismo, es un entrar en la imagen rasgando sombras, deslavando el pasado.
La luz se abre paso, con ella el inconsciente aflora. Es un puente entre lo consiente y el agua (inconsciente), gracias a ella el sueño se vuelve materia, aparece y se disfraza entre las sábanas de la cama, en las patas de la silla, en la bañera, en el lavabo, envolviendo la tela de los lienzos. La luz baña los cuerpos en la obra, creando atmósferas extrañas que desvelan elementos de un orden aparente. Con la sombra la memoria se pierde, ahí es donde el inconsciente suele confundirse, en donde se viste de olvido. La sombra es una red oculta que atrapa las vivencias.
La exposición presenta elementos que salen del lienzo, objetos de utilidad (paraguas, baldes, sillas, etc.) que extienden la imagen más allá de la frontera del bastidor para que el espectador pueda entrar en la subjetividad.
Biografía:
Andrés Del Collado, es pintor y diseñador mexicano, establecido en Madrid desde hace once años.Estudió la carrera en diseño de la comunicación gráfica y Bellas Artes en México.
En 2005 obtiene una beca de la fundación de arte Arauco, dirigida por Guillermo Muñoz Vera.Domina todas las técnicas artísticas, hasta alcanzar el hiperrealismo en su trabajo.
Pintor surrealista que cuestiona el formato tradicional de la pintura. Su temática está basada principalmente en el agua como símbolo del inconsciente, combinando la pintura con elementos tridimensionales. Ha expuesto en Alemania, Francia, Bélgica, E.U.A. , Holanda, España y México.
El muralismo, como tradición mexicana ha estado presente en su obra, al realizar pintura monumental para diferentes sitios, así como piezas de decoración tanto en México, República Dominicana y España.
www.andresdelcollado.blogspot.com
Arquímedes Llorens
Exposición de vestidos de Alta costura
Del 21 de diciembre de 2012 al 12 de enero de 2013
Del 21 de diciembre de 2012 al 12 de enero de 2013
Descripción de la exposición:
Crear no sólo es diseñar un modelo intuitivo, buscar estereotipos y recrear imágenes; es armar historias, dialogar, profundizar en parámetros de sutiliza y seducción orientados hacia la mujer del siglo XXI. Mujeres firmes, independientes, seguras, exportadas de otra época y soslayadas en la cultura actual son la inspiración para quitar imposturas y crear conceptos. Las líneas, la superposición de tejidos, la idea directriz de combinaciones monocromáticas subrayan los modelos Llorens. Una propuesta diferente para el mundo de hoy se presenta a modo de ritual a la hora de crear y lucir un diseño. El diseño se convierte en arte, un arte repleto de matices, texturas, que adopta un ritmo de sus Colecciones. Armonía, estilo, ligereza y pasión definen las creaciones de Arquímedes Llorens. Su línea propone un salto hacia un equilibrio exquisito entre lo convencional y no, entre la dulzura y la audacia, entre un estilo romántico combinado con un sutil art- decó orientado a la moda. Embellecer a las mujeres de hoy y de mañana es un desafío sustancial a la hora de crear patrones, de delinear cuerpos, de buscar un sentido lúdico y un desafío constante. Sumergirse en la aventura de Arquímedes Llorens es desafiar puentes y posturas, quebrar estructuras, logrando un equilibrio de color, forma, movimiento y sensualidad en un diseño protagonista y único, que resalta la femineidad y la noción del cuerpo como objeto poético y pictórico. La utilización de la forma, el color, la textura basados en esta concepción psicológica forman la base de una línea, de un estilo de moda que brinda, perdurabilidad en el tiempo, crea mujeres mutables a modelos inmutables, busca la exquisita precisión entre la necesidad y el deseo y por sobre todo abandona el arquetípico modo de diseño de modas para convertirse en el arte de la moda. Arquímedes Llorens es desafío, cambio e innovación, respetando, a su vez, el derrotero de la moda a nivel internacional.
Biografía:
Arquímedes Llorens, nace en Venezuela el 13 de agosto de 1972 y desde muy joven manifiesta su sentido del arte y la estética al cursar estudios en la Escuela de Arte Cristóbal Rojas de Caracas y colaborar en el taller de la artista plástica Julia Tarazona. Experiencia que le permitió descubrir su verdadera pasión: el diseño de modas. A principios de los años noventa cursa estudios superiores en el Colegio Universitario Monseñor de Talavera en Caracas, donde obtiene el título de Diseñador de Modas. A partir de ese momento comienza a desarrollar sus habilidades junto a otros diseñadores venezolanos que le permiten ampliar sus conocimientos y horizontes. Hasta que a finales de 1996, Arquímedes Llorens se anima a independizarse. Al poco tiempo de dar este gran paso, el diseñador comienza a ser reconocido entre lo más selecto de la moda venezolana. Buena parte de su éxito se debe a la línea de corbatas pintadas a mano que la crítica cataloga como unas verdaderas obras de arte. Sus originales y delicados diseños rápidamente calaron en el gusto de su extensa cartera de clientes lo que le permitió comercializadas en exclusivas tiendas caraqueñas, entre ellas la del diseñador venezolano Carlos Benguigui. Paralelamente, incursiona en el mundo del maquillaje ante la necesidad de expresar a otros niveles sus inquietudes artísticas, llegando a posicionarse como uno de los maquilladores de mayor renombre en Venezuela. Esta actividad que ha compaginado a la perfección con el diseño de modas le ha permitido participar en un sin fin de proyectos de moda, maquillaje, espectáculos y publicidad. Luego de diversos desfiles realizados en las ciudades más importantes de Venezuela. Arquímedes Llorens decide ampliar sus horizontes y viaja durante 2001 a España, donde el diseñador comienza a conseguir una cartera de clientes de alta costura se une a la firma francesa Bourjois que le designa maquillador oficial, por lo cual establece su residencia permanente en Madrid con el firme propósito de consolidarse en el competitivo mercado de la moda europea. Tras dejar atrás una apretada agenda en el mundo del maquillaje. Arquímedes Llorens decide abrir en 2010 su propio atelier en Madrid. Lo que le ha permitido plasmar en sus creaciones toda la experiencia y madurez obtenida en el mundo de la moda. En esta nueva etapa el diseñador venezolano ha participado en diversos desfiles y colectivas de moda, destacándose como una de las promesas del diseño de modas en la capital española. Esto gracias a sus creaciones que se han mantenido fiel a la tendencia que le ha caracterizado: resaltar la sensualidad de la mujer contemporánea y plasmar con un estilo libre e intemporal todo aquello que la moda representa.
Cristina Kahlo
Exposición Fotográfica
Del 30 de noviembre al 22 de diciembre de 2012
Tiempo de Danzón, de la fotógrafa mexicana Cristina Kahlo.
Fruto de la danza y la contradanza cubanas, el danzón salió de la isla caribeña para desembarcar en tierras mexicanas. No es un baile cualquiera y quienes disfrutan de su ritmo sensual y elegante, lo saben. Así lo confirma la obra de la fotógrafa mexicana Cristina Kahlo que se expondrá en unos días en la galería Yuriko Yamamoto Espacio Contemporáneo.
Hace algunos años, Cristina Kahlo tomó sus bártulos, se marchó a la Plaza del Danzón y el Salón Los Ángeles (en el corazón de la Ciudad de México); anduvo por la ciudad de Querétaro, encalló en el puerto de Veracruz y se dedicó a retratar a personajes de carne y hueso que viven intensamente cada momento de la liturgia danzonera como si de una misa al aire libre se tratara. Gracias a este trabajo, Kahlo obtuvo, en 2011, el Premio Nacional a la Preservación y Difusión del Danzón Rosa Abdala Gómez.
La escuela callejera de baile frente a la academia de danza. Son los viejos profesores que enseñan a las nuevas generaciones de bailarines los secretos del danzón que se mexicanizó en el instante mismo en que puso pie en las costas de Veracruz y la península de Yucatán, a finales del siglo XIX. El danzón que hicimos a nuestro modo para solaz de las parejas que lo bordan en sus múltiples facetas: abierto, cerrado o de fantasía, más adornado o clásico, siempre al gusto de la compañera y del respetable público que les acompaña, cada fin de semana, en los emblemáticos espacios de la geografía mexicana.
Descendiente de una familia de artistas, Cristina Kahlo ha expuesto en diversas galerías y museos de México, Estados Unidos, Alemania, Suiza y Francia. En 2006, fue acreedora a la Beca de Residencia otorgada por la Fundación Bartels de Basilea, Suiza.
Ha realizado imágenes de arquitectura, retrato y fotografía de autor así como una amplia documentación fotográfica sobre discapacidad infantil para diversas publicaciones de México y el extranjero. Asimismo, ha impartido cursos y talleres de Fotografía creativa para adultos y niños en la Escuela Activa de Fotografía, el Museo Muros de Cuernavaca, el Museo de la Filatelia de Oaxaca y el Museo Frida Kahlo, entre otras instituciones.
De 1983 a 1985 funda y dirige la Galería Alternativa en Coyoacán, México, y de 1986 a 1991 funda y codirige en sociedad con Juan Coronel Rivera, la Galería Kahlo Coronel Arte Contemporáneo y Fotografía. Durante los mismos años colabora con la Asociación Nueva Visión de Bélgica en la realización e intercambios de Fotografía Latinoamericana en Europa y México.
César Martínez
Tumbas filosofales / Lapidiarios y epidadesafíos
Propuesta de cementerio romántico apocalíptico
(pero sin inquilinos)
Del 4 de octubre al 6 de noviembre 2012
 |
| Fosa común, inter-heces fiscales o capitalismo funerario Instalación con fragmentos residuales de una crisis Medidas variables |
 |
| Mo Anarquía Mármol negro Monterrey con elefante de mármol negro y cuernos de onix blanco Lápida de 50cm x 40cm x 2cm Elefante 17cm x 17cm x 10cm |
 |
| El capital del amor Marmol blanco de carrara. 30cm x 80cm x 2cm |
 |
| Me dueles México Mármol negro Monterrey, 70cm x 1m x 2cm |
 |
| Finanzas His-pánicas Onix blanco. 28cm x 36 x 2cm. |
 |
| Ex Pain Mármol rojo Granada, 1m x 70cm x 2cm |
Inauguración: 4 de octubre (Fotos)
Descripción de la exposición y Bio del artista:
Autodefinido como “artista indisciplinario”, César Martínez Silva (México D. F., 1962) es un creador provocativo, desconcertante y profundamente crítico que no deja indiferente a nadie. Sus trabajos ya han sido reconocidos en España, donde ha expuesto en diferentes recintos, pero ahora regresa a Madrid con una muestra muy especial, "El amor es eterno mientras dure/ Tumbas filosofales/ Lapidiarios y epitadesafíos", con la que celebra 50 años de vida y más de tres décadas de desarrollo artístico.
En esta ocasión, César Martínez nos propone recorrer una especie de “cementerio romántico apocalíptico pero sin inquilinos”. En palabras del periodista y crítico de arte Josué Ramírez, esta muestra presenta “epitafios autobiográficos, nacidos de las diferentes etapas de su vida como artista y como hombre de mundo, que tiene en España su segunda patria y que al romper con el concepto de patria hace del viaje su raíz de artista plástico. No hay un velorio pues, sino la celebración de la vida que se vive frente a la muerte”.
Los trabajos de César Martínez Silva han recurrido a diferentes aportes conceptuales y soportes técnicos para ofrecer, desde el arte, una mirada crítica llena de ironía a todo lo que se incluya en el concepto de “sistema”: lo mismo ha utilizado pólvora y dinamita para crear con lo que destruye, que chocolate y gelatina “dando vida” a esculturas humanas comestibles y digeribles; se acoge al performance (ha realizado más de 250 en distintas partes del mundo) pero también a la fotografía o a los medios electrónicos y digitales contemporáneos para poner el dedo en la llaga e invitar a la reflexión.
Su manejo lúdico de las palabras es deslumbrante y radica en el hecho de que el lenguaje es tan maleable y dúctil como la materia prima con las que trabaja.
Su obra se ha expuesto en países como Estados Unidos, Colombia, Cuba, República Dominicana, Brasil, España, Reino Unido, Italia, Alemania, Bélgica, Japón, Hungría, Polonia, República Checa, República Popular de China y recientemente en la 2da Bienal de arte de Thessaloniki, en Grecia, y se encuentra en importantes colecciones de arte como la Carsten Norman en Alemania, Fundació Sorigué en España, Colezzione “La Gaia” y Associazione Prometeo en Italia, MUCA UNAM, y varias colecciones privadas en Reino Unido y los Emiratos Árabes, entre otras.
Ha ganado varios premios nacionales y menciones honoríficas, entre ellas el Premio Nacional de Arte Joven en el año de 1991, y ha sido merecedor de numerosas becas de producción y residencias en el extranjero, entre ellas la otorgada para residir en el Banff Centre for the Arts, en Canadá y la recién otorgada para realizar estudios de postgrado en España, otorgada por la Universidad Autónoma Metropolitana, misma que lo ha reconocido por su labor docente durante dos años seguidos. En 2002 comenzó a formar parte del Sistema Nacional de Creadores en México. Su tesis de doctorado, "Cuerpo, política y subjetividad. Performance y prácticas antagónicas", obtuvo un Sobresaliente CUM LAUDE por parte de la Universidad de Castilla- La Mancha en 2011.
 |
| Réplicas de las obras ya disponibles en nuestra tienda |
